25 nov. 2013

RULETA ROSA


Una conmovedora experiencia 



Ruleta Rosa es una pieza teatral íntima donde quien mira es parte del espectáculo, lo presencia desde su interior, desde la intimidad. Cinco personajes que cambian azarosamente de amante, como en un juego, las combinaciones amorosas varían, como así mismo las tácticas de seducción y los lazos que se van estrechando entre ellos. Ruleta Rosa habla del amor y del comportamiento humano, de quiénes somos cuando estamos frente al otro. La obra busca indagar en la fugacidad de las relaciones, en lo profundo y lo superfluo de cada uno de los vínculos que los unen.
La idea surge del deseo de plasmar la sexualidad hoy, desde la visión de distintos personajes que se vinculan íntimamente. Como motor de partida tomamos la dramaturgia del austríaco Arthur Schnitzler, “La Ronda”. Con esto, más ejercicios de improvisación y la experiencia personal de cada uno de los actores, queremos generar material dramático para así concretar nuestra historia, surgida del imaginario del elenco y el equipo de trabajo.
La obra transcurre en un espacio vacío y el escenario es circular. Esta puesta genera una arena en donde el público está al mismo nivel que el actor compartiendo la intimidad del espacio.

“Ruleta Rosa” es una creación colectiva cuya propuesta no es nada convencional. 

“Ruleta Rosa”  es un juego metódico del amor, la búsqueda constante de seducción y el roce secreto con el minimalismo en la representación.

“Ruleta Rosa” es una encantadora obra y una pieza muy personal que está bajo la dirección de Nibaldo Maturana.




“Ruleta Rosa” es una pieza que está presentada de forma circular; un espacio que crea un ámbito y una atmósfera sublime; un espacio cuyo relatos son fragmentados como el espacio, que es ese mismo lugar dónde los actores conviven con los espectadores cuando acontecen las historias, es ese mismo lugar dónde el público se adueña del relato y observa de forma latente las piezas fragmentadas de amor.




Las atmósferas constantemente son sudadas por el juego constante de los actores: Mirko Delfino, Jonathan Charcape, Sebastián Fíaño. Christian Nieves y Ariel Sández; todos ellos  tienes una misma energía, están totalmente abiertos a la experiencia sin perderse nada, abiertos a los errores y a los aciertos; todos ellos tienen mucha presencia escénica que la utilizan por el beneficio de la obra y van generando esos climas, esas atmósferas que son para espectar..


“Ruleta Rosa” es una excelente propuesta que de convencional no tiene nada

 “Ruleta Rosa” es una experiencia sutil para los sentidos.

“Ruleta Rosa” rompe muchos tabúes en escena y es un juego que se agradece por ser un buen espectáculo.





Funciones Miercoles 13, 20 y 27 de Noviembre. CASA BRANDON Luis María Drago 236 21:00hrs
Dirección: Nibaldo Maturana
Elenco: Mirko Delfino Jonathan Charcape Sebastián Fíaño Christian Nieves Ariel Sández
Asistencia de Dirección: Sherry Denis
Vestuario: Helgalís Ramos
Diseño Gráfico: Ale Goldin
Fotografía: Claudio Campi
Producción: Mary Machine
Diseño de luces: Karen Utrera
Diseño Sonoro y montaje: Claudio cabello F.

16 oct. 2013

HP


Un magnífico “trabajo en proceso” terminado que critica el arte


HP surge de una noticia policial: en marzo de 2006 comenzaron a aparecer los restos de un cuerpo mutilado, esparcidos en distintos lugares de Santiago. Cuando “el descuartizado de Puente Alto” pudo ser identificado, se supo que era un joven de 20 años, con una historia de desenfreno y desamparo que lo convirtió en un paradigma de la marginalidad en el Chile postmoderno. La Compañía Teatral Chilena La Nacional decide llevar al teatro la historia del descuartizado, convoca a Luis Barrales para que la escriba, y con el apoyo del Fondo Nacional para el Desarrollo del Arte la estrena al año siguiente en el Teatro del Puente.


H P/Hans Pozo es la obra que está escrita por Luis Barrales y está bajo la aguda dirección de Gisel Sparza, quien propone una ejecución escénica política y teatral a la vez; la directora con su “trabajo en proceso” dibuja una línea que está entre la denuncia y la transformación: denuncia el arte que surge de un hecho horrible y lo transforma en un acto escénico estético fragmentado.

El hecho horrible que se delata es lo que pasó realmente, que casi nadie lo sabe, pero surge de un hecho policial, de una crónica roja, donde algunos mencionan que fue un niño el que observó a un perro callejero jugaba con un pie humano. Así, por todo Santiago se fue descubriendo restos humanos hasta que descubrieron que se trataba de un hombre que prestaba su cuerpo para servicios sexuales, cuyo nombre era Hans Pozo.

De esta manera hay varias versiones de la historia y de la crónica que Hans Pozo, como también otras obras de teatro que se basan en ella. Lo interesante de HP/Hans Pozo es que critica y compone esas visiones desde un trabajo inacabado, fragmentado, que parece no tener unidad pero en el fondo hay componentes muy importantes de búsqueda no de la “verdad” de lo que sucedió, sino de lo que les sucede a HP/Hans Pozo como acto estético ante las historias y crónica de Hans Pozo.

Podemos decir que en el relato, hay una historia de sexo, drogas, amor y cumbia detrás de la crónica policial de Hans Pozo. En el “trabajo en proceso” HP/Hans Pozo juega con el peligro de ese esbozo de transformarlo en una historia de mero entretenimiento.

A su vez, hacen varios planteamientos muy importantes desde la obra, desde su puesta en escena y desde la estética fragmentada sobre la visión que toman sobre la crónica policial de Hans Pozo. Estos planteamientos son los que resuenan como reflexión, como crítica y como pregunta en el espectador, y se agradece que una obra que no esté terminada y esté en el mero proceso de puesta en escena te haga ese planteo.




Al mejor estilo de los rounds de improvisación, pero con nada dejado al azar, HP/Hans Pozo se estreno el jueves 5 de septiembre en el Teatro Mandril del barrio porteño San Cristóbal gracias al Colectivo chileno La Obra; un espectáculo escrito por Luis Barrales Guzmán, “Mejor Dramaturgo chileno” en 2010 con el premio Altazor.
HP está basada en la cobertura mediática de un asesinato de un joven producido en el 2006 en Santiago de Chile. Se trataba de un muchacho pobre que fue encontrado desmembrado y por partes. La construcción de realidad que hicieron los medios sobre su muerte produjo tal interés en la opinión pública chilena, que se pusieron en evidencia los límites de la marginalidad y de la condición moral de vida en una sociedad altamente influenciada por el modelo de vida neoliberal de las últimas décadas.

La puesta en escena fragmentada de HP/Hans Pozo magnifica la problemática de la representación de contar un hecho de crónica policial sin caer en el "moralismo" o una visión superflua del hecho. 

La estética de la transformación de los actores en personajes, el cuestionamiento en escena de que: si el trabajo de interpretación va por buen camino, y esas preocupaciones burguesas comunes del actor de sentir al personaje o investigarlo llevan a la paradoja misma de saber si se comprende o no el hecho como tal, haciéndolo a un lado, como otra crónica roja más y la vida continúa.

Esa propuesta es la que da valor como estética y problematiza la delgada línea de transformar en denuncia en el mismo proceso creativo estético. Ya que si bien HP/Hans Pozo es un acto estético no pierde esa noción de recordar el hecho de la crónica policial.

En otras palabras, critica a las obras de teatro basadas en un hecho real porque se transforman en una obra estética perdiendo todo el sentido que lo germinó y eso siempre va a estar presentada de forma fragmentada en el imaginario.

HP/Hans Pozo, por suerte y se agradece, tiene cuatro actores de muy buen nivel y que sean chilenos -uno puede perderse en sus modismos, pero no de los múltiples sentidos que evocan-, cabe destacar los trabajo de Majo de la Cruz y a Nibaldo Maturana.

HP/Han Pozo es una propuesta minimalista, con muy pocos recursos escénicos, que utiliza la proyección de diapositiva de manera fragmentada, y construyen mundos aportando así a los actores y al relato transformarse en un magnífico “trabajo en proceso” terminado que critica el arte.

HP (Hans Pozo) está los jueves a las 23:00 en Teatro Mandril, Humberto 1° # 2758 .



DRAMATURGIA- LUIS BARRALES GUZMAN


ELENCO-
NIBALDO MATURANA
MAJO DE LA CRUZ
JAVIER SALAMANCA
DANIELA MORAGA

DIRECCION- GISEL SPARZA SEPULVEDA
DISEÑO INTEGRAL- KAREN UTRERAS
FOTOGRAFÍA FIJA- MARISOL MARTIN

HISTORIA DE AMOR (ÚLTIMOS CAPÍTULOS)

Sólo se necesitan: un primer hombre, una mujer, un segundo hombre

Dos hombres y una mujer intentan contar/escribir la historia de amor que vivieron los tres juntos. Este es el resumen de la historia: Vivíamos los tres juntos -dice el Primer Hombre. Alguien traiciona. Historia de amor es el intento y la imposibilidad de reconstrucción de esa historia. El ejercicio del recuerdo configura sus versiones: Historia de amor es una carta, una canción, un libro, una llamada telefónica, un trabajo. Y, a veces, el relato parecería ser más exacto, más exacto que lo que había sido la realidad que los tres habían vivido.



En 1983,  se publicó en un tomo, siete obras del  fallecido dramaturgo francés Jean-Luc Lagarce, en esa primera colección estaba el texto Histoire d'amour (repérages). Siete años después, en 1990, en el tercer tomo, Lagarce presentó Histoire d'amour (derniers chapitres), “Historia de Amor (Últimos Capítulo)”. Texto que el director Marcelo Velázquez lleva a escena no sólo con una agudeza de puesta en escena, también con mucha simpleza.


La propuesta escénica de Velázquez que tiene con “Historia de Amor (Últimos Capítulo)” es un juego entre rupturas y convenciones. La ruptura está en la forma de contar el relato, la convención es la historia de amor que se relata.

Ese encuentro está impecablemente presente en la puesta en escena de “Historia de Amor (Últimos Capítulo)”. Por ejemplo: el espacio, el ámbito que transitan los personajes es muy oscuro, muy vacío, no está completo, sólo se da signos de ciertas cosas; pero, la convención: de los actores, de la presencia escénica, del espacio y de los climas es vigorosa, llena de energía, latente.




Todos los habitantes se habrán ido – una historia así.
Todos los habitantes se habrán ido sin dejar dirección,
no queda nadie,
todos se fueron sin que se sepa, sin decírselo a él.
Nunca me dicen nada.
Desaparecieron.
- eso piensa-
Fragmento de “Historia de Amor (Últimos Capítulo)”, la voz es El Primer Hombre


 Los actores cuando hacen a los personajes realizan sutilezas muy bien construidas en los matices. Hay una armonía de tiempo, de silencio en la repetición, como si fuese algo sagrado hacerlo dentro de la representación. Existe momentos de equilibrio perfecto donde las figuras parecen estar en el caos, pero solamente descansan muy atentos, esperando su turno para intervenir en el relato.

En la puesta de escena de Velázquez de “Historia de Amor (Últimos Capítulo)” es un quiebre a la instalación de la representación teatral, del relato escénico y de lo que nunca se terminará de construir. Cautiva mucho el vínculo estrecho que tiene la idea de representación de Lagarce en el texto con la aguda propuesta de Marcelo Velázquez, que hace un puesta en escena de algunos mecanismos de la representación, donde el límite de la ficción es efímero.  

“Historia de Amor (Últimos Capítulo)” está todos los domingos a las 18:00 en ElKafka Espacio Teatral, Lambaré 866, reservas a 4862-5439


Ficha Artística/Técnica

Autoría: Jean-Luc Lagarce
Traducción: Mabel Crescente
Actúan: Marcelo Bucossi, Mercedes Fraile, Daniel Goglino
Vestuario: Julio Suárez
Diseño y realización de escenografía: Ariel Vaccaro
Diseño de iluminación: Alejandro Le Roux
Música original y diseño sonoro: Pablo Bronzini
Audiovisuales: Román Melendrez
Fotografía: Aixa Alcántara
Diseño gráfico: Vanesa Bisutti
Entrenamiento vocal: Natalia Cappa
Asistencia de dirección: Christian Di Desidero
Prensa: Duche&zarate
Dirección: Marcelo Velázquez

Funciones: Domingos a las 18:00
Duración: 70 minutos

Elkafka Espacio Teatral
Lambaré 866
 (mapa)
Ciudad de
 Buenos Aires, Argentina
Tel.: 4862-5439
http://elkafkaespacioteatral.blogspot.com


21 jul. 2013

LA POETA Y SU NOVIA ACTRIZ

El amor entre las opuestas



La obra narra la historia de amor entre Martina (La poeta) y Andrea (La  actriz) en diferentes momentos de sus vidas. La pasión por el teatro las juntó en los patios del conservatorio cuando apenas tenían veinte años. Luego sus caminos se bifurcaron y hoy se vuelven a encontrar. Pasaron años sin saber una de la otra. Sin embargo se miran a los ojos y es como si se derribara el tiempo. El amor no muere. Se transforma.

“La Poeta Y Su Novia Actriz”, escrita y dirigida por Patricio Abadi, es una propuesta dónde expone personajes, ambiente y climas totalmente opuestos pero que se complementan; la obra juega mucho con el discurso narrado para luego volverse diálogo. “La Poeta Y Su Novia Actriz” es una puesta irrumpida bruscamente por el amor, el abandono, los celos, el odio, las palabras y dos cuerpos femeninos que se complementan.

“La Poeta Y Su Novia Actriz” parece ser la metáfora del vínculo que existe entre el discurso y el sentimiento, lo físico con lo intelectual, el amor con el odio, el día con la noche, los celos con la confianza, los ambientes abiertos con los cerrados, los pantalones con las faldas, etc. Es una propuesta que exhibe un abanico de tormentosos momentos guiado por dos mujeres que se aman; pero, una es actriz y la otra, poeta.

En “La Poeta Y Su Novia Actriz” hay una expansión constante de prepotencia y de denuncia, siempre es una contra la otra; cada una tiene su versión de los hechos, cómo sucedió la ruptura, cómo se conocieron, qué hicieron después de eso. Ambas se denuncian: la actriz explica que la poeta necesita vivir como “poeta maldito” para poder trabajar y tener material para escribir; la poeta denuncia a la actriz porque es… actriz contemporánea.

Umbra Colombo es la actriz que jugó de manera exquisita a ser actriz, a que llora a cada momento, a que trata de presionar e impresionar a su poeta; Colombo trabajó con mucha delicadeza esa figura, además bien su cuerpo era una herramienta para que los textos cobren vida.

Laura López Moyano, como siempre, es muy buena actriz que: con sus gestos característicos, su fortaleza en las palabras, la energía que evoca para organizar a un personaje que quiere ser maldita, nos va llevando a través de los sentimientos y los sentidos.


“La Poeta Y Su Novia Actriz” está los viernes a las 21:00 en Onírico, calle Fitz Roy 1846; reservas al 4776-5241.



18 jul. 2013

LAS REINAS DEL STRIP

Más allá del objeto


Una noche llena de lujo, glamour, sofisticación y belleza, para celebrar con un brindis a nuestras Nueve Reinas que, como Diosas Mitológicas, desnudarán sus cuerpos y sus emociones, haciéndote imaginar una realidad tan íntima como diferente. El erotismo y la diversión se dan la mano con la reflexión y el talento, para hacernos entender que si sabemos de que se trata el sexo, sabremos de que se trata la vida. Masculino? Femenino? Hermafrodita? Descubrilo. No seas indiferente por lo diferente. Jugate. Las Reinas te esperan.

“Las Reinas del Strip” es un juego de palabras, de filosofía básica, de energía y de suave erotismo para averiguar cuanto uno sabe de sexo. Es un espectáculo dirigido por Reina Reech y un gran equipo de trabajo.

“Las Reinas del Strip” como espectáculo juega con una breve presentación  donde se conjuga breves entrevistas al público para hacer la introducción al cuadro musical. La presentadora es una genia que se va cambiando de vestuario constantemente, a veces sólo le basta un boa de plumas, tiene una mirada muy interesante que es algo tímida y no es erótica; pero, el juego que ella hace con el público no es para nada tímido.

“Las Reinas del Strip” es un show constante de toples que tiene varios cuadros que van hablando de los mitos, de los dioses o de algunas fantasías sexuales, transformándolas en un erotismo que no está jugada con profundidad, sólo está esbozada, ya que deja que la imaginación al público lo complemente.

Emiliano Pi Alvárez un bailarín con mucha energía, mucha entrega y una técnica de buen nivel. Flor Beltramo, Evangelina Bourbon, Sol Camardella, María Laura Cattalini, Sabrina Lis Gay, Martina Lupardo, Martina Nikolle, Barbara Reali y María Valencia son excelentes bailarinas, predispuestas a jugar un poco en escena, ellas se mueven con pasión y energía. Hay que aplaudirlas porque están ahí, semi-desnuda mostrándose y moviéndose. No muchas actrices y bailarinas se atreverían a hacerlo. 

La música está realizada de una manera sublime, con la fuerza necesaria para deleitarla en todo los cuadros. Los vestuarios un gran trabajo visual que resume, contiene y resuelve la situación, la diosa o mito que representan. El diseño de luces es concreto y eficaz que está al servicio de la escena como el juego multimedia.


“Las Reinas del Strip” está los miércoles, jueves y viernes a las 21:00, sábado a las 21:00 y a las 23:00; está en el teatro Maipo  Kabaret, calles Esmeralda 443; reservas al 5352-8384. 




LA LAGUNA

El silencio de la familia

La obra que recibió el premio “S” a la creación y el premio Florencio Sánchez en la categoría “Revelación femenina” para su actriz Martina Juncadella -y la nominación al mismo premio en el rubro Escenografía a cargo de Mariana Tirantte- realizará una temporada de 6 funciones en Buenos Aires antes de su partida como obra invitada especial al Noorderzon Performing Art Festival (en Groningen, Holanda, con funciones el 18, 19 y 20 de Agosto) y al Zürcher Theater Spektakel, en Zurich (Suiza) con funciones el 23, 24 y 25 de Agosto.

La Laguna propone la instantánea de un padre y sus dos hijas, de pronto detenidos en un auto en medio de la ruta por la que viajaban; suspendidos en el tiempo -o apartados del tiempo real- y atrapados en el suyo subjetivo. En ese estado singular, el hombre regresará al pasado, ante la mirada de las dos adolescentes.  En la obra -que resalta intencionadamente los rasgos infantiles que perduran a través de los años- los tres personajes vuelven a ser niños y así –por ejemplo- cantan y bailan como entonces, armando una suerte de resistencia contra el paso del tiempo.

“La Laguna” además fue editada por “Interzona” junto a otros textos de dramaturgos nacidos en 1980, en una selección a cargo de Ricardo Dubatti.

“La Laguna”, escrita y dirigida por Agostina Luz López, es una obra que describe el silencio; la tensión está en lo que no se dice, lo que no está en el discurso verbal; pero expone a unos personajes que pueden o no soportar aquello que fue su vida.

Al principio, “La Laguna” expone el vínculo de una hija con su padre; la hija trata de estar conectada siempre a él, que le preste atención, que juegue con ella, que le haga cariños, que le escuche, que le haga caso. Hay algo perturbador en la forma en que ella pronuncia la palabra “papá”, ya que constantemente usa esas cuatro letras para demostrarle algo; pero, la vida entre ellos dos parece ser un silencio constante que la hija no quiere soportar.

Luego, aparece la otra hija. El padre se va un rato a nada a una laguna que está cerca mientras que la otras dos conviven ese silencio familiar con la excusa de tomarse el regalo de la abuela. Es un trío familiar donde la tolerancia puede tener su fin. Muy buen trabajo por parte de los actores, de estar atento constantemente y jugarse esa propuesta de actuación.

“La Laguna” tiene el dispositivo de presentar algunos elementos reales, como la parte del asiento de pasajeros y el baulero de la carrocería de un auto azul, la bebida, los cigarros, la comida, el silencio. El diseño de la iluminación es absorbente y muy puntual, juega con lo claro-oscuro. La escenografía y el vestuario son realista y con muchos detalles, aunque hay momentos que con tanto realismo hay elementos importantes que están a cargo de la convención teatral e imaginación del público, por ejemplo el campo. 

En “La Laguna”  lo más importante es lo que sucede en el auto, dentro de esa parte trasera de la carrocería azul, lo que lleva ahí, lo que esconde en el baulero, las cosas que sacan, siempre salen con la excusa de calmar o recordar algunos felices momentos familiares y también es el detonante de algo. ¿La familia, las dos hijas y el padre tienen todo lo necesario paras ser felices?

“La Laguna” una muy buena pieza de la familia argentina pero que sale al campo: la parte trasera del auto se convierte en la sala de estar y el campo es la casa de esta familia que se resiste a estar fragmentada, a ser irrumpida por la tristeza, a convertirse en la típica visión de la disfuncionalidad. 

“La Laguna” es una obra que se encuentra los sábados a las 20:30, en el teatro El Extranjero, calle Valentín Gómez 3378; reservas al 4862-7400. 




17 jul. 2013

MARCELO VELÁZQUEZ




 
En un café, cerca del lugar donde trabajar, Marcelo Velázquez con mucha apertura se presta a conversar conmigo sobre su trabajo “Tus Deseos En Fragmentos”, texto de Ramón Griffero: http://neposandkuhl.blogspot.com.ar/2013/06/tus-deseos-en-fragmentos-de-ramon.html

¿Qué número de función va y cómo empezó?

M.V.: Ya pasamos el mes. La idea es extendernos lo más que podemos. Es la única manera de lograr conocer al autor, la obra. Es la primera vez que se hace una obra de Griffero en Buenos Aires. No se conocía mucho la dramaturgia; pero claro él es muy conocido en Chile y muy conocido internacionalmente. Él había hecho incursiones con trabajos y seminarios en Mendoza. A Buenos Aires había venido muchas veces pero no se habían hecho obras de él. Nunca se hizo una obra y tiene una producción muy importante.
Así que bueno, la idea fue traerlo para las dos funciones que hicimos acá en el I.U.N.A. Era un punto de partida, la gente preguntaba sobre el autor”¿dónde puedo conseguir la obra?” Entonces queríamos como continuar.

Se interrumpió la charla por la mesera, que con buena dicción ofrece los diferentes productos bebibles. Marcelo pide un agua con pera, o eso es lo que le escuché, luego me corrige mi error que era agua con sabor a pera. Continuamos con la conversación.

 Estamos contentos, muy contentos, el público se está acercando. Es una propuesta muy particular. Es una de las obras más particulares “Tus Deseos En Fragmentos”.

Autores chilenos, más jóvenes comienzan a reproducir este sistema, como copiar y pegar ideas y conceptos.

M.V.: Sí, es un modelo más europeo.

No lleva el modelo clásico del “cuentito”, del “relato”, “fábula”; más es un anecdotario de lo que es uno.

M.V.: Sí, sí, esto es la obra de Griffero más conceptual. En su modo de construcción, es en sí, la más fragmentaria. El resto de su producción va en otro sentido. Hay fábula, trabaja siempre con la ruptura del tiempo. Eso está presente siempre. Pero “Tus Deseos En Fragmentos” es la más conceptual y había que entender por dónde iba la cosa. La puesta en escena y el entendimiento de los actores también. Trabajamos mucho. 

Son como monólogos, soliloquios. La mayoría no tiene una continuidad narrativa. La continuidad siempre está en el espectador que busca armar, armar con alguna lógica, sentido.

Pero por comentarios de los espectadores, los primeros minutos ya entienden cómo va la lógica se entregan a ese modo fragmentario. Irrupciones. Griffero lo llama irrupciones conceptuales. Aparecen y desaparecen. Ese es el subtítulo de la obra. Irrupciones conceptuales.

Para los actores les fue difícil. No tiene una continuidad lógica, ni siquiera en el pensamiento sobre lo que es un personaje. Son entidades.

¿El trabajo de los actores, que salen de escuela con la construcción de un personaje? ¿Cómo fue ese encuentro?

M.V.: Por suerte este equipo de actores son muy buenos, todos son muy buenos. Todos se formaron acá en el departamento de Arte Dramática del I.U.N.A.; y, también han tenido incursiones en proyectos teatrales por fuera de la universidad. Son actores que tienen otro recorrido, otra experiencia a nivel teatral, lo que permitió que tuvieran un nivel de apertura.

Nueva irrupción de la mesera, quien desperdiga conocimiento en diferentes tipos de condimentos para la ensalada. Luego que se va, Marcelo sigue comentando.


En ese sentido fue muy enriquecedor, porque ellos, la verdad, se entregaron a la propuesta con un cuerpo y una mente muy amplia. Haber, ¿qué hacemos con este material? En ese sentido me da como mucho orgullo trabajar con ellos. Tienen una formación muy sólida pero también en su recorrido individual en su profesión. Para la dirección es un agradecimientos que toque actores así, que dice vamos para donde va la propuesta. Eso fue muy lindo.

¿La primera etapa, la preparación cuánto tiempo duró?

M.V.: Todo esto fue porque venía Ramón Griffero a Buenos Aires.

¿Llegó a verla?

M.V.: Claro, Griffero el año pasado se contacta con el I.U.N.A. Y llega a Buenos Aires a presentar su último libro que se llama “La Dramaturgia del Espacio”. Es una línea de trabajo sobre la que él viene investigando desde su lugar como dramaturgo y director. Yo lo conocía a Griffero de leer su obra,  porque hasta el año pasado venía trabajando en una materia sobre el teatro latinoamericano. Yo conocía la obra, de hecho habíamos trabajado algunas obras como programa de la cátedra. A mí me había conseguido, me habían traído fotocopias algunos alumnos chilenos; así que, tenía conocimiento de la obra. Y tenía “Tus Deseos En Fragmentos”. Entonces, el año pasado estaba trabajando en la secretaría de Extensión Cultural –del I.U.N.A.- , así que hicimos todo lo importante para que Griffero venga a Buenos Aires a dar unos seminarios y presentar su libro.

Se me ocurrió para recibirlo, en principio, era hacer algunos fragmentos de alguna de sus obras. Y empezamos a elegir, me gustó mucho “Tus Deseos En Fragmentos” y así, efectivamente comenzamos a trabajar algunas partes. Convoco a los actores y se me ocurre que acá hay tantos alumnos chilenos estudiando en arte dramática, se me ocurre que sea interesante armar un elenco donde convivan actores argentinos y chilenos. Como una particularidad. Comenzamos también a armar el equipo técnico artísticos chileno-argentino. Armamos un equipo de ambos países.

Fue muy enriquecedor. Por un lado, los dos actores chilenos nos ayudaron a trabajar con el registro lingüístico de la obra. El texto original tiene mucha jerga chilena. Entonces lo que íbamos viendo era que determinados momentos con determinadas expresiones hacíamos “traducciones” o buscando equivalente a lo que podía ser al lenguaje que se utiliza en Buenos Aires. Había una jerga muy localista, muy específica. En los ensayos, con los actores argentinos y los actores chilenos fuimos encontrando equivalente.

Excepto una de las escenas, que había un juego lingüístico, es la escena del “juego de las frases”, que todas son frases muy populares chilenas. Me parecía que en el material estaba propuesto un juego de lenguaje muy interesante. Eso, decidimos no “traducirlo”, sino proponerlo en la escena como un juego de lenguaje. Esa parte es como un homenaje a Chile.

Los tres actores que hacen esas frases muy chilenas, decidí que lo hagan los argentinos. Y los dos actores chilenos se rían de esa gracia, se rían como los argentinos hacen el cantito chileno. Bueno, es un juego, que es lo interesante cuando juegas con un material.


¿Y cómo lo tomó Ramón Griffero?

M.V.: Ramón vino comienzo de abril. Organizamos dos seminarios que dio para actores e hizo una conferencia presentando su libro. Además en ese evento de dos días hicimos dos presentaciones de “Tus Deseos En Fragmentos”. Estreno para el I.U.N.A. Quedó encantado, él nos autorizó hacerla. No imaginó que íbamos a hacer la obra completa; es más, estaba sorprendido que no habíamos cortado nada. Hicimos la obra completa.

¿Cuánto tiempo? ¿Dos, tres meses?

M.V.: Empezamos a trabajar en noviembre del año pasado, parte de diciembre, retomamos febrero, marzo. Intensa, muy intensamente, a razón de tres, cuatro ensayo por semana. Sí, le dimos duro. Porque no llegábamos a hacer toda la obra. Esto fue por el entusiasmo de los actores que querían presentar el espectáculo y luego el entusiasmo de hacerlo.

Griffero quedó muy contento, le gustó mucho la propuesta. La versión argentina es muy diferente a su versión en Chile, que se puede ver en internet. Bueno, era nuestra mirada. En su propuesta el genera en los fragmentos más situaciones. Yo acá, tomé la decisión de poner por delante el discurso extremadamente despojado. Son los actores que están ahí, solo con sus almas y lo que tienen que decir. Me odiaban por esto, pero ahora ya lo están disfrutando esta cuestión de sólo presencia, sólo discurso.

Es muy difícil.

M.V.: Muy difícil, no les daba la posibilidad de la relación naturalista, realista de diálogo, de comunicación; y, que todo fuera para meter al público al universo de la obra. Por eso están todo el tiempo contactando con la mirada. Eso fue lo más difícil. Tengo muy buenos actores y lo están logrando.

Hablabas de la primera vez que se presenta la obra de Griffero,  ¿por qué crees se da eso? Es notable la producción que se da en Buenos Aires, pocas ciudades se dan ese lujo.

M.V.: Pero poco teatro latino, ¿no?

Sí, hay muchos extranjeros que trabajan acá, pero desconocen ese mecanismo, ese sistema de producción de la ciudad. No conoce agentes de prensa o no tiene los suficientes contactos, además de competir con otros doscientos espectáculos, como mínimo.

M.V.: Mínimo, no te alcanza los fines de semana.

Ni el sueldo. Esta escena, llamémosla “porteña” y a la otra “latinoamericana” -nos reímos- ¿hay mucha diferencia?

M.V.: Sí, esta pregunta tuya abre la problemática que a mí me preocupa y siempre la pienso. Es la primera vez que monto un texto de un autor latinoamericano contemporáneo. Había trabajado con autores argentinos, con autores de teatralidades europeas, norteamericana, pero nunca un autor latinoamericano, ni tan cercanos que es Chile, que es lindero.

Me parece que hay en el teatro de Buenos Aires, tradicionalmente, siempre hay una mirada hacia lo europeo, también al norteamericano. En las últimas décadas, a lo europeo. Con el teatro latinoamericano me parece que tenemos una deuda. Hay mucha producción latinoamericana contemporánea y muy buena en muchos casos.

No sé, puedo encontrar respuesta a través de nuestra historia de teatro, esta mirada que Buenos Aire parece que no formaría parte de Latinoamérica. También son decisiones artísticas individuales de decir: me arriesgo a hacer esto; me gustó este material, vamos a hacerlo. Es cierto que la mirada de Buenos Aires es más hacia afuera lejos, que a nuestros países de Sudamérica.

También se da por prejuicio y mucho por desconocimiento, tiene que ver con el mercado editorial. Las obras de Griffero yo las conocí por fotocopias que me traían desde Chile. Acá no se consigue tanto teatro latinoamericano en las librerías. A veces en las librerías no se consigue teatro en general –la risa llena la cafetería. Menos de teatro Latinoamericano. Es una cuestión de mercado y de difusión.

Por eso me parecía que viniera el autor, que trajera sus libros, para dejarlos en la biblioteca y para que lo conozcan. Hoy con la tecnología está todo más cercano.

Griffero con eso es muy generoso sube todo sus materiales. Hay los videos completos de sus puestas.
Bueno, él la verdad estaba muy contento de hacer esta pisada con una obra en Buenos Aires.


Seguimos charlando sobre “la escena porteña” y “la escena latinoamericana”, además de llegar a las diferentes circunstancias de edades y visiones de los distintos golpes de estado que se dio tanto en Chile y en Argentina.